Oscar 2026: dónde ver las películas favoritas para ganar el premio a Mejor Película

Por Paz Varales (@cinefilosoficial). 

No se trata solo de una deuda histórica —tuvo diez nominaciones y nunca fue premiado—, sino de una película que vuelve a confirmar por qué Paul Thomas Anderson es uno de los grandes autores del cine contemporáneo. En Una batalla tras otra demuestra su maestría para adaptar una novela considerada inadaptable como Vineland y transformarla en una obra vibrante, política y profundamente entretenida. Si a la Academia no le alcanza para consagrarlo como mejor director, su trabajo merece, como mínimo, el Oscar a mejor guion adaptado. 

La película también ofrece uno de los mejores trabajos recientes de Leonardo DiCaprio. Su personaje, un revolucionario hippie encantador que vive entre el exceso, la marihuana y el alcohol, evita la caricatura gracias a una interpretación precisa y sensible. Cuando el conflicto lo exige, DiCaprio construye una lucidez inesperada que vuelve al personaje humano y complejo, en una actuación digna de valerle su segundo Oscar. En la categoría de mejor actor de reparto no deberían figurar más nombres que Sean Penn y Benicio del Toro. Cada vez que aparecen en pantalla, los personajes memorables e intensos que construyeron agregan ritmo y humor a la trama. 

En conclusión, Una batalla tras otra debería ganar el Oscar a mejor película por su despliegue de virtuosismo: acción, comedia, western y drama conviven con naturalidad durante más de dos horas, pero también por la actualidad de los temas que aborda. Entre fugas hipnóticas y chistecitos, la película se sumerge en cuestiones de derechos humanos, migraciones y racismo, demostrando que, aunque esté inspirada en los años 60, sus preguntas siguen siendo urgentes. Lejos del pesimismo, Anderson propone una mirada esperanzadora de cara a las generaciones que vienen y una clara invitación a la resistencia. 

Dónde verla: HBO Max

Por VickyTeDije (@vickytedije). 

Sin duda, desde su nominación a 16 Oscars, y ya desde varios meses antes, Pecadores viene siendo objeto de críticas y debates, y capaz eso tenga que ver con que la película de Ryan Coogler no es una película para todo el mundo, y no pasa nada con eso. Cuando salió el tráiler, muchos pensamos que se trataba de otra historia de vampiros con un elenco de A-listers. Pero el film es mucho más que una de vampiros a secas, es, sobre todo, un comentario social sobre qué significa ser afroamericano, inmigrante o pertenecer a una minoría en EE. UU. Ese trasfondo atraviesa toda la película. 

Lo interesante es cómo Coogler decide contar eso, construyendo una poderosa imaginería que cruza la mitología afro con elementos de la cultura celta y, a partir de ese cruce, reimagina el mito del vampiro. Lo sobrenatural no es adorno, es la herramienta con la que la película habla de identidad, de relaciones, de duelos. Y todo esto lo hace a través, también, de la música. Pecadores no es un musical, pero entiende la música como lenguaje narrativo. Los needle drops y la música original no solo ambientan, sino que cuentan quiénes son los personajes, acompañan su devenir y empujan la historia de esos hermanos, de su comunidad y también de su villano. 

A Coogler se lo critica por “mezclar géneros” y que eso va en detrimento de la película, pero ¿acaso es anticine mezclar géneros y transformarlos en algo nuevo? En el film vemos una fusión de drama con comentario social y racial, romance, terror, y Coogler balancea todos de forma tal que la historia fluye casi sin que se note. No es una película perfecta, pero se sostiene con actuaciones impecables, una banda sonora memorable y una cinematografía que te envuelve en cada plano. Tiene merecidas todas sus nominaciones. 

Dónde verla: HBO Max

Por Tamara Talesnik (@tamitalesnik).  

Hay muchos motivos para amar el estreno de Hamnet, de Chloé Zhao —ganadora del Oscar a mejor dirección en 2021 por Nomadland—. No voy a ocultar el mío: sigo a Paul Mescal como lo que soy en mi corazón, una fan adolescente. Desde su debut en Normal People hace seis años, viene interpretando a los chicos más tristes del mundo, y esta adaptación de la novela homónima de Maggie O’Farrell no es la excepción. La autora británica escribió su propia fantasía intimista a partir de los pocos hechos reales que se conocen sobre William Shakespeare y su esposa, Anne Hathaway, y especialmente sobre la muerte de su hijo varón, Hamnet, a los once años. La ficción toma prestado lo que quiere de la historia real para no solo fantasear cómo esa muerte puede haber influenciado Hamlet —la obra que condicionó cómo se narra el dolor, la paternidad y la venganza en Occidente—, sino para pensar quién fue Anne y cómo vivió esa tragedia. Triste, pero es así: Mescal no es el protagonista de Hamnet; sí lo es su coestrella Jessie Buckley, potencial ganadora del Oscar a mejor actriz por una actuación de la que vamos a estar hablando para siempre (según dijo Paul..., y yo a Paul le creo todo).  

Dónde verla: en cines.

Por Julieta Greco (@julietiisima).  

¿Qué aloja una casa? ¿Qué guarda, qué esconde, qué deja filtrarse? ¿Es un contenedor de objetos, personas y recuerdos? ¿Es una testigo muda que siente el peso de generaciones? En Valor sentimental, el noruego Joachim Trier entrega un drama donde la casa de la familia Borg es un organismo vivo: una entidad con memoria sensorial y afectiva que custodia lo que al menos tres generaciones vivieron, gritaron y, sobre todo, callaron. Trier filma las paredes como si fueran una piel. En ese hogar, el pasado se filtra en el presente a través de pisos que crujen y grietas que se abren. En la casa como personaje y escenario, se dirime lo fundamental: el vínculo roto entre una hija actriz, Nora, y un padre cineasta, Gustav.  

El nudo narrativo se activa con la muerte de la madre y el retorno del padre ausente a la casa familiar. El film piensa el trauma junto con otra dimensión: la parálisis afectiva que solo una familia puede producir, ese modo en que el pasado persiste en el cuerpo y condiciona la posibilidad de moverse, enamorarse, separarse y, en el caso de Nora, actuar en el escenario. La relación entre Gustav y Nora tiene la forma de un apego feroz: un vínculo donde el amor y el resentimiento están tan trenzados que es imposible soltarse sin desgarrar la propia identidad. Una relación en la que la distancia no debilita el vínculo, ni la cercanía lo aligera.  

Aunque en la superficie la película parece concentrarse en el vínculo entre padre e hija, hay un subtexto amoroso en el lazo entre Nora y su hermana menor, Agnes. Aquí los hermanos aparecen como eternos testigos del vínculo con los padres, aunque esa relación siempre sea de a dos. Si la casa es una piel y el pasado cruje en las paredes, la hermandad funciona como un refugio: la certeza de que habrá alguien que guarde la otra mitad de nuestra memoria. 

Dónde verla: en MUBI.

Por Bárbara Miranda (@cinetrola).  

El sentido y la incertidumbre del vivir nunca pudieron explicarse a través de palabras. Las crisis existenciales, la pregunta tan grande del porqué de todo esto. ¿Para qué amamos si después perdemos? ¿Para qué construimos si todo eventualmente se destruye? ¿Y para qué crecemos y echamos raíces si los lugares pueden olvidarnos? Las palabras nunca podrían llegar a una explicación, siquiera a una conclusión, a estas preguntas. Y es allí donde entra la poesía visual. 

Sueños de trenes es una película que se siente como un poema desde el primer plano. Hay un sentimiento muy claro que tengo cuando leo un poema o cuando necesito escribir uno, el que surge de la búsqueda de poder entender de qué va esta travesía del vivir. El director Clint Bentley se une con el cinematógrafo Adolpho Veloso para darnos una historia sobre las tragedias inexplicables de la vida mientras se convive con una naturaleza tan cruel y hermosa en partes iguales. 

Acá seguimos la vida de un leñador del siglo XX, teñida por el duelo, el amor y la pérdida, para adentrarnos en la naturaleza y crecer junto a ella, como lo han hecho los árboles y los animales desde el comienzo de los tiempos. Morimos mientras un árbol es talado, sufrimos mientras un amigo o un amante hiere a un animal. Y entonces, de alguna manera, un nuevo árbol empieza a brotar de la tierra, y el río sigue corriendo a través de todo, recordándonos lo esencial. Nuestro dolor permanece mientras el sol vuelve a salir, y la naturaleza nos grita que la única salida es atravesarlo. 

Hay calma en el dolor, como también hay miedo en la felicidad. Vivir es un acto tan complejo, y quizá nuestra mayor frustración como seres humanos sea no estar el suficiente tiempo en este mundo para poder comprenderlo. Allí es donde entra el arte, para darnos herramientas, quizá no para entenderlo, pero sí para poder tolerarlo y aceptarlo. Sueños de trenes, frente a todo obstáculo, hace un trabajo maravilloso en ello. 

Dónde verla: Netflix.

Por Laura Marajofsky (@lmarajofsky). 

“No creo que haya que ponerse agendas tipo ‘la película de cine nacional’, ‘la película argentina’. Mi recomendación es que siempre filmen para el barrio. Si se entiende en el barrio, se entiende en Australia, en cualquier parte del mundo. Y siempre habrá cosas que no se van a entender. Necesitamos hablarnos de cosas que quizá no se vayan a entender en otros países”, dice Lucrecia Martel, y nos deja pensando que, aunque quizá films como El agente secreto —y, para el caso, también Belén u otras como la excelente It Was Just an Accident—, tan situadas en geografías y conflictos sociopolíticos locales, pueden perderse un poco en la transmisión para públicos extranjeros, son, sin dudas, absolutamente necesarias.  

Es así como el nuevo film de Kleber Mendonça Filho, que sigue a un científico apolítico y padre viudo que se vuelve blanco de la dictadura militar brasileña en 1970 solo por defender su trabajo de investigación, quizá sea una rareza entre las nominadas. Elegante, sobria, bien actuada, tal vez no signifique lo mismo para gente que no es latinoamericana —plagada de gestos y guiños que solo gente que atravesó una dictadura puede descifrar—, pero se vuelve universal en su relato de cómo el poder corrompe, de la hermandad entre refugiados, del amor de un padre por su hijo y el deseo de un país y un mañana mejor para todos. Pero, además, Filho se la juega y hace algo aún más complejo, envuelve esta historia en un thriller de espías, vibrante y estéticamente acabado, que no busca finales cerrados ni tiene moralejas obvias. 

No es una casualidad que Brasil venga haciendo un trabajo tan consistente al narrar estas historias —recordemos la ganadora del año pasado, la emotiva Aún estoy aquí, de Walter Salles—, ni que hable de algunas de las problemáticas que más atañen al continente en este momento: el avance de los regímenes autoritarios donde los proyectos “nacionales” destruyen la educación, la ciencia y el arte. 

Dónde verla: en cines.

• Frankenstein: Netflix 
• Marty Supreme: en cines. 
• F1: Apple TV

Fiel a los tiempos multiplataforma que corren, la 98a entrega de los Premios Oscar, que se realizará el 15 de marzo en el Dolby Theatre de Hollywood de Los Ángeles, en California, podrá verse por distintos lugares: por un lado, la transmisión oficial se realizará en Oscar.com y Oscars.org, además de las cuentas de la Academia en TikTok, YouTube, Instagram y Facebook, que seguirán los movimientos de la gala. 

Por otro lado, la ceremonia se podrá ver por YouTube, HBO Max y TNT (en idioma original), y, como siempre, la tradicional red carpet podrá seguirse por el histórico E! al menos dos horas antes. El reconocido comediante y presentador Conan O’Brien repetirá su rol como anfitrión.