Tienen más de 80 años: 3 grandes artistas argentinos presentan sus muestras en Buenos Aires y no podés dejar de visitarlas

Tienen más de 80 años y representan tres universos distintos con un denominador común, tres modos de entender el arte, tres trayectorias que dialogan en su propia lengua con el pasado, el presente y el futuro. 

Te contamos cómo es cada una de estas exhibiciones para que no te las pierdas... ¡ni te pierdas nada de lo que exponen!, porque son un lujo. 

Si no conocés la obra de Liliana Porter, este es el momento de alucinar con sus creaciones. Y si ya la conocés, es muy probable que la asocies a las más recientes en el tiempo, donde pone a dialogar sus pinturas con elementos en miniatura. En este caso, la muestra del Malba te va a permitir seguir sorprendiéndote con este tipo de piezas, pero, además, darles contexto para entender de dónde vienen. Es que esta artista argentina, que reside en Nueva York, desarrolló una sólida trayectoria desde la vanguardia setentista a esta parte, y ver el recorrido le da relieve a su talento. 

Travesía, curada por Agustín Pérez Rubio, es una retrospectiva que abarca seis décadas de producción y que, lejos de ser un repaso cronológico, propone un recorrido sensible, lúdico y profundamente poético. "No quería hacerla un plomo, buscamos que sea un recorrido de trayectoria, pero dinámico”, aclara Porter.

Entrar a la muestra es como sumergirte en un mundo paralelo donde el tiempo se pliega, los objetos hablan y lo diminuto se vuelve inmenso.

La primera sala, la más historiográfica, nos sitúa en los años 60, cuando Porter llega de México a Nueva York y comienza a experimentar con el grabado, mezclando representación y realidad.

A partir de ahí, Travesía se expande una constelación de obras que dialogan entre sí: instalaciones, pinturas, objetos, videos y palabras que parecen salidas de un sueño lúcido. 

Hay una arruga gigante que recorre paredes y techos, atrapando objetos en su camino. Hay naturalezas muertas que interpelan nuestra mirada acostumbrada. Hay personitas minúsculas que asumen tareas desproporcionadas para su tamaño. Hay espejos, hilos que dibujan con sus sombras, hay clavos, barcos, tizas, Alicias y tantos personajes (tanto de historias reales como fantásticas) que aparecen o se expresan en frases sueltas que, abiertas y fuera de contexto, nos invitan a completar el sentido. 

Liliana Porter, quien actualmente tiene 84 años, no busca dar respuestas, sino abrir preguntas. “Trato de que las obras tengan la posibilidad de revertir el tiempo y ser esperanzadoras”, dice. Y lo logra. Porque en sus universos también irrumpe el caos –desastres, derrames-, y los intentos de reparación. Hay humor, y una mirada crítica afilada. Hay belleza, sin complacencia. 

Hay una travesía a través del tiempo y el espacio que no propone un punto de llegada, sino nuevas partidas, una y otra vez.

Liliana Porter es una de las artistas argentinas más influyentes del arte contemporáneo latinoamericano. Nació en Buenos Aires en 1941, pero desde 1964 vive y trabaja en Nueva York. Su obra, que abarca grabado, pintura, instalación, fotografía, teatro y video, se caracteriza por una mirada aguda y poética sobre el tiempo y la memoria.

Marcó un estilo propio mediante escenas con miniaturas que enfrentan situaciones absurdas y conmovedoras.

Fue cofundadora del New York Graphic Workshop junto a Luis Camnitzer y José Guillermo Castillo. Su trabajo fue exhibido en más de 450 muestras en 40 países y forma parte de colecciones como el MoMA, el Reina Sofía, el Malba y la Tate Modern. 

En el corazón del Museo Nacional de Arte Decorativo -un palacio imponente-, la exposición Diseño infinito despliega el universo creativo de Alberto Churba con una contundencia que maravilla. No es solo una retrospectiva de esta figura emblemática: es una celebración del diseño entendido como un lenguaje, una forma de pensamiento que articula técnica, forma y contexto.

Desde los textiles que marcaron época hasta los coloridos cristales que rompieron el molde en esculturas de vidrio soplado, la muestra traza un recorrido que revela a un creador innovador, eximio e incansable, cuya obra sigue dialogando con el presente.

Las alfombras —algunas tejidas a mano en los años 60, otras producidas industrialmente décadas después— son un capítulo aparte. Cada pieza es una coreografía de color y geometría, con una precisión técnica insuperable. 

Está el mítico sillón Cinta, en tres de sus distintas versiones, que confirma lo que se intuye desde el inicio del recorrido: Churba no diseñaba objetos, diseñaba ideas. Es un mueble, pero también una escultura y más: un principio del diseño: se trata de una sola pieza que, en una estructura fluida, integra asiento, respaldo y apoyabrazos en una curva.

En la sala, la creación que data de la década del 60 entabla diálogo con piezas recientes: cuadros abstractos realizados con Photoshop e impresos en Italia. 

En Diseño Infinito todas las creaciones de Churba conviven con naturalidad los textiles estampados, los cristales soplados, las pinturas digitales y el mobiliario escultórico. Hay una coherencia profunda en esa diversidad, una mirada que combina oficio, intuición y una identidad latinoamericana inconfundible.

Visitar esta muestra no es solo ver objetos bellos: es entrar en la mente de un diseñador, hoy de casi 93 años, que consiguió expandir los límites de su propio lenguaje.

Nacido en Buenos Aires en 1932, Alberto Churba es una figura central del diseño argentino moderno. Trabajó con artesanos locales y marcas internacionales. Su obra abarca muebles, textiles, alfombras, cristalería y objetos decorativos. Fue reconocido por instituciones como el MoMA, el Victoria & Albert Museum y el Smithsonian. A sus 93 años, sigue siendo un referente indiscutido del diseño como herramienta cultural. 

En 1960 fundó el Estudio CH (Centro de Arte y Diseño), un espacio pionero que rompió con los moldes tradicionales y propuso una mirada moderna, integral y latinoamericana del diseño.

Su obra es tan diversa como coherente. Churba fue un verdadero adelantado. En los años 70 ya trabajaba con comunidades artesanas del norte argentino, fusionando saberes tradicionales con una estética moderna. También fue un gran viajero: trajo al país influencias de Escandinavia, India y Japón, y supo integrarlas con una identidad local muy fuerte. Su obra es una síntesis entre arte, técnica e industria. 

Delia Cancela es una artista inclasificable. En esta muestra, su primera individual en la galería Ruth Benzacar, lo confirma con creces. Oh Dear Oh Dear How queer everything is today! es un homenaje a Lewis Carroll, a Alicia, a lo raro, a lo fragmentario, a lo femenino y a lo que no admite ser etiquetado. 

En dos salas pequeñas, Cancela construye un universo donde lo delicado se vuelve subversivo. Una escuelita de botánica, mujeres-pájaro, frases bordadas, collages, dibujos, objetos. Todo parece inocente, pero hay algo inquietante latiendo debajo. Como si la artista de 85 años nos dijera: “mirá bien, no todo es lo que parece”. 

“Los hombres siempre han tenido líneas rectas. En cambio, las mujeres subimos, bajamos, doblamos…”, dice Delia. Y esta obra, que concibió en los últimos años, lo encarna.

Con una estética que mezcla lo kitsch, lo pop y lo poético, Cancela nos invita a un paseo por la cornisa del (no) sentido. Un gesto obstinado, punk y profundamente vital. 

Nacida en Buenos Aires en 1940, Delia Cancela es una figura clave del arte argentino desde los años 60. Junto a Pablo Mesejean, desafió los formatos tradicionales desde el cruce entre arte, moda y performance. Desde los 80, su obra en solitario explora la identidad, el deseo y el mundo sensible con una mezcla de lirismo e irreverencia. Su práctica es tan política como íntima, y sigue siendo una voz imprescindible del arte contemporáneo. 

A fines de los 60 se instalaron en Nueva York y luego en Londres, donde sus diseños aparecieron en revistas como Vogue y Harper’s Bazaar. En los 70 y 80, ya radicada en París, Delia siguió explorando el cruce entre disciplinas, con desfiles performáticos y obras que desafiaban las convenciones. Desde los 90, de regreso en Buenos Aires, su obra individual se consolidó como un universo propio: dibujos, collages, telas, objetos y frases que encantan y descolocan a la vez.