Hamnet llega al cine: belleza, duelo y arte en la gran apuesta de Chloé Zhao

A partir de apenas un puñado de datos reales sobre la vida de William Shakespeare, en la Inglaterra de fines del siglo XVI y particularmente en Stratford-upon-Avon, la autora construye una ficción en la que imagina el duelo por la pérdida de su hijo desde la perspectiva de su esposa y crea un relato profundo, irónico y delicadamente metafísico sobre el amor, la muerte y la capacidad del arte para trascender el dolor.  

Con esta novelaza como base, con O’Farrell como coguionista y con una directora del talento de Chloé Zhao al frente, el resultado no podía ser menos que una película preciosa. Pero la comparación con el libro es inevitable y, en ese terreno, la literatura gana alguna ventaja. 

Por eso, la recomendación que se impone es sí o sí leer el libro antes de ir al cine para poder apreciar en su esplendor la película e, incluso, reponer en ese relato algunos párrafos que no aparecen en pantalla y evocar aquellos que todavía quedan resonando después de la última página. 

Si la pregunta fuera ¿es “mejor” la película que el libro?, la respuesta honesta debería ser que no. Y, sin embargo, esta sentencia no le quita mérito al hecho cinematográfico. 

Dirigida por la realizadora de origen chino Chloé Zhao —quien ganó un Oscar por Nomadland en 2021— cuenta con todo lo necesario para ser un buen film. Especialmente, domina una belleza que subyuga la mirada.  

En la primera parte de la historia (que ocupa bastante más de la mitad del largometraje) apunta a una expresión estética sutilmente “caravaggista”: la paleta de colores definidos, los claroscuros y contrastes. Este efecto visual, acentuado perfectamente en las decisiones de vestuario, no llega al barroquismo porque se diluye en la naturalidad de Zhao y ahí se logra extraer la esencia justa de esa intimidad intensa e inquietante con que Caravaggio representó los finales del siglo XVI, época en la que se enmarca Hamnet.

El cine de Chloé Zhao se mueve con una sensibilidad silenciosa, construye relatos íntimos donde la emoción fluye a paso firme. Si viste Nomadland sabés de qué se trata. Sus películas suelen avanzar con un ritmo calmo, más atento a las miradas y a los tiempos interiores que a las acciones. 

Ese mismo pulso contemplativo, sin embargo, vuelve al film algo lento en su tramo inicial y le sube la intensidad al tono melodramático. Zhao apuesta por la atmósfera y la emoción contenida; una decisión coherente con su estilo, aunque no siempre eficaz para todos los espectadores.  

Lo que indiscutiblemente consigue un efecto superador es impregnar la ficción con una textura casi documental que vuelve a los personajes profundamente reales.

Para esta misión, la aliada perfecta es Jessie Buckley. La protagonista de Hamnet se está llevando todos los aplausos, y muy merecidamente. Interpreta a Agnes, la madre del niño que muere y la esposa del gran dramaturgo. Una mujer que en la historia real no cobró ninguna notoriedad y es central en la recreación de O´Farrell.

La actriz, cantante y compositora irlandesa compone con gran complejidad a su personaje y en cada gesto logra conjugar tanto la fuerza como la vulnerabilidad de esta mujer un poco excéntrica, muy intuitiva, bastante tierna y completamente afectada por el dolor. Sobre todo, en la última parte de la película —que no es tan estética sino visceralmente emocional— cuando lleva a la cima su capacidad para expresar y conmover.  

La acompaña Paul Mescal como William Shakespeare quien, si bien no deslumbra con respecto a otros trabajos de su trayectoria, sí logra el equilibrio con su partenaire y cumple muy dignamente su rol.

La banda sonora, concebida por el artista germano-británico Max Richter, funciona como una capa emocional invisible pero decisiva. Su composición envuelve sin invadir. 

Es una partitura que no busca imponer emociones ni subrayar lo obvio, sino acompañar la narración desde adentro, con una paleta sonora austera y profundamente alineada con el pulso íntimo de la historia. 

Cada tema parece un poema, son piezas cortas que funcionan como microclimas afectivos y están nombradas con un título que remite a capas de sentido: Of Agnes, Of Remembrance, Of the Sky, Of a Ghost o Of the Undiscovered Country.

Hamnet es una película bella, sensible y correcta. No revoluciona el lenguaje cinematográfico ni busca hacerlo; su fortaleza está en la emoción y en el material literario que la sostiene. Tal vez su mayor desafío sea justamente ese: convivir con la grandeza de la novela que le dio origen. 

Verla vale la pena. Leer el libro, también. Y en ese diálogo entre páginas e imágenes es donde la historia encuentra su amplificación y crece.