Andrea de Navarrete: la diseñadora que transforma residuos en joyería contemporánea sostenible

¿Recordás el momento exacto en el que sentiste que tu camino iba a estar más cerca del arte y la moda que de la comunicación?

Sí, y fue un momento absolutamente cotidiano. Una tarde, al pasar frente a una vidriera que exhibía joyería contemporánea, me detuve sin saber por qué. Había algo en la escala, en el brillo y en la audacia de esas piezas que me resultó magnético. Entré, probé una clase y descubrí un universo que combinaba técnica, expresión y detalle. Ese fue el punto de inflexión, entendí que necesitaba moverme hacia un espacio creativo más manual y menos estructurado que el mundo corporativo donde venía desarrollando mi carrera.

¿Qué te impulsó a dar ese giro profesional y animarte a crear tu propio emprendimiento?

Mi decisión se construyó a partir de una experiencia personal fuerte. Cuando mi papá (que había trabajado toda su vida en IBM) fue diagnosticado con Alzheimer, entendí de una manera muy concreta que el tiempo es un recurso finito. Yo vivía entre viajes, agendas saturadas y pending lists, y sentí la necesidad de detenerme, de estar presente con mis hijos y de replantear el sentido de mi trabajo.
En ese momento apareció la joyería como un espacio posible. Fue un cambio que muchos no entendieron, pero que para mí tenía bastante coherencia. No fue una renuncia al mundo corporativo; fue una elección hacia una vida más alineada con lo que quería construir.

3. ¿Hubo alguna persona o experiencia que te haya marcado al inicio de tu carrera creativa?

Mi primera profesora de joyería contemporánea fue fundamental. Tenía una mirada estética muy definida y un enfoque que me mostró que la joyería podía ser un lenguaje artístico en sí mismo. También fueron significativos los workshops intensivos con embajadoras de Swarovski y mi formación en el New York Art & Design Institute. Ese recorrido me permitió incorporar la idea de sostenibilidad desde la técnica, entendiendo que el material no es un punto de partida fijo, sino un campo de posibilidades.

Sobre el nacimiento de ADNJewelry: ¿Cómo nació la idea de combinar joyería contemporánea con sustentabilidad?

Nació de un momento simple pero revelador. Al vaciar el contenedor de cápsulas de café usadas, vi una cantidad enorme de color y material que terminaba en la basura. Me resultó imposible no preguntarme qué estábamos descartando sin cuestionarlo. Empecé a explorarlo desde las técnicas de joyería contemporánea y descubrí un potencial enorme; podía transformar un residuo cotidiano en una pieza estructurada, estética y con identidad.

¿Cuál fue la primera pieza que diseñaste y qué te hizo pensar que ese era el camino?

La primera pieza importante fue un peto creado en 2014, utilizando cápsulas de distintos colores. Fue un desafío técnico que me permitió comprobar que este material, trabajado con cuidado, podía adquirir solidez, presencia y diseño. En un inicio la aceptación fue gradual (era una materialidad novedosa, todavía asociada al descarte) pero con el tiempo el público comenzó a valorar ese cruce entre estética y conciencia ambiental. Hoy hay un interés real por piezas que cuentan una historia, y ahí es donde ADNJewelry se consolida.

¿Cuándo descubriste que las cápsulas y las bolsas de plástico podían ser materia prima?

Cuando empecé a mirar mis propios residuos con otros ojos. Me di cuenta de que había materiales con color, textura y estructura suficiente para ser trabajados. Las cápsulas, en particular, ofrecen una paleta que no existe en otros soportes: azules intensos, verdes profundos, dorados, naranjas. Cada vez que recibo una bolsa para reciclar reviso primero los colores; descubrir una tonalidad nueva me impulsa a diseñar inmediatamente. Es una fuente inagotable de posibilidades.

¿Cómo describirías el proceso creativo de transformar un residuo en una pieza?

Es un proceso minucioso que combina técnica y planificación. Recolecto el material, separo el café para compostaje, limpio cada cápsula y clasifico por color y tipo. Luego aplico técnicas de joyería contemporánea (corte, moldeado, perforado, ensamblado) que permiten convertir ese insumo en una pieza estructurada y durable. Lo que busco transmitir es que el diseño puede extender la vida útil de un material y darle un valor completamente nuevo.

¿Cómo es tu rutina de trabajo? ¿Sos quien diseña y también trabaja el material?

Sí, realizo cada etapa del proceso. Diseño, limpio, clasifico y construyo las piezas de manera manual. Organizo mi semana en bloques: días dedicados a diseño y conceptualización, y días destinados exclusivamente al trabajo técnico. Esa estructura me permite mantener precisión sin perder espacio para lo creativo.

¿Qué etapa disfrutás más?

La etapa de armado. Es el momento en el que el diseño se vuelve tangible y donde se ve el resultado del trabajo previo. Ver cómo una pieza comienza a consolidarse es uno de los aspectos más gratificantes del proceso.

¿Cuál es el mayor desafío técnico de trabajar con materiales no pensados para reutilizarse?

Adaptarlos a las exigencias de la joyería contemporánea. Son materiales que no fueron diseñados para ser cortados, moldeados o perforados, por lo que requieren técnicas específicas para evitar quiebres o deformaciones. Además, es imprescindible garantizar durabilidad, comodidad y seguridad para quien lo utiliza. Lograr ese equilibrio demanda experimentación, prueba y precisión.

 

Tu marca tiene piezas muy distintas: ¿cómo decidís el destino de cada material?

 

Una vez comprendida la respuesta técnica del material, la elección es una decisión de diseño. Evalúo qué necesita cada colección: paleta, volúmenes, nivel de detalle y protagonismo. Según esos criterios defino si el material se convertirá en una pieza estructural, un accesorio de menor escala o una prenda de mayor impacto visual.

Tus creaciones están entre la joyería, el arte y la moda: ¿dónde te ubicás?

En el punto de encuentro de las tres. Trabajo desde la joyería contemporánea, pero con un enfoque artístico y una lectura estética que dialoga naturalmente con el universo de la moda.

¿Qué te gustaría que sientan las personas al probarse una pieza hecha con materiales reciclados?

Que perciban diseño, calidad y originalidad. Que entiendan que la sostenibilidad puede expresarse con sofisticación y que una pieza reciclada puede convertirse en una elección estética poderosa, no solo ecológica.